“Aunque no soy más que una bestia, ¿no tengo derecho a vivir?”
(Tercera y última entrada recogida del blog antiguo)
En 1988, Oh Dae-Su (Choi Min-sik) es secuestrado sin explicación alguna; quince años después, también sin explicación aparente, es puesto en libertad. Es el momento de buscar explicaciones.
Con esta trama tan sencilla se inicia Old Boy, una tragedia griega posmoderna salvaje y brutal con una puesta en escena inmejorable.
Aclamado por crítica y público, Park-Chan Wok presentó en 2003 esta película como segunda parte de su trilogía de la venganza y, desde entonces, ha recogido varios premios, entre ellos el Gran premio del Jurado del 57º Festival de Cine de Cannes y el de mejor película en el 37º Festival de Cine de Sitges.
Old Boy, sin alejarse nunca demasiado de sus raíces, mezcla con soltura elementos del mundo del cómic (perceptibles sobre todo en la elección de encuadres) y otros del cine estadounidense actual. Sin embargo, si el cine de acción nos tiene acostumbrados a (al menos) media película llena de planos insustanciales, en este film Park-Chan Wok nos deleita con secuencias inmejorables donde lo poético no se aleja nunca de lo violento.
Old Boy tiene esa atmósfera asfixiante del cine negro de los ’40-’50 que tanto engancha, acentuada por un tratamiento fotográfico a partir de cromatismos rojos y verdes que apoyan la carga mísera y dramática de una historia cada vez más oscura.
Realmente no sé cómo hablar de esta película sin desvelar parte de la trama, pues casi todo en ella forma parte de un conjunto perfectamente cohesionado. En ocasiones da la sensación de que se nos ofrece un puzle que debemos ir montando poco a poco: la información se dosifica hasta que podemos contemplar la imagen completa. Es entonces cuando comprendemos cómo Park-Chan Wok nos ha llevado a su territorio. Empieza poco a poco, con una historia sencilla contada en un gran angular que se va acortado para centrarse en los personajes, aderezados de vez en cuando con escenas surrealistas que nos hacen sonreír. Pero todo es parte de su juego, un juego donde la frase “la venganza es un plato que se sirve frío” cobra nuevos significados.
No fue hasta la segunda vez que vi la película (pocos días después de haberla visto por primera vez) cuando comprendí que, más allá de la venganza, la película habla de comprensión y aceptación. La tercera vez que la vi supe a ciencia cierta que el tema único y principal es la venganza, así, sin más. Con un cuarto visionado entendí entonces que… lo cierto es que Old Boy está abierta a muchas interpretaciones. Si bien es cierto que forma parte de la trilogía de la venganza de Park-Chan Wok (Sympathy for Mr. Vengeance y Sympathy for Lady Vengeance son la primera y la tercera parte, respectivamente), la película no acaba en sí misma y llama al debate.
Si no has visto Old Boy, ¿A qué estás esperando? Si ya la has visto, ¿No te apetece verla otra vez?
o mejor:
La interpretación de Min-sik Choi – Oh Dae-su (ved la película en VOS)
La segunda de las entradas rescatadas del antiguo blog (que aun podéis visitar buscando en Google y que no voy a enlazar)
“Cascaradenuez lleva una década sin salir de su Casa. Tiene 25 años y sólo se comunica por Internet. Cada noche sueña que es el héroe de un videojuego en una Nueva York poblada por zombis, y lucha contra ellos sin sabe por qué.
Cascaradenuez descarga a diario películas y canciones que sabe que nunca tendrá tiempo de ver ni de escuchar. Cascaradenuez piensa que todo proyecto es un fracaso en potencia, que la derrota es un modus vivendi natural, pero Cascaradenuez tiene una pistola…”
Eso es lo que puede leerse en la contracubierta de “Tengo una pistola”, la primera obra del murciano Enrique Rubio, pero eso es tan sólo la punta del iceberg de una novela sorprendente con una atmósfera que envuelve desde la primera a la última página.
La novela cuenta la historia de un joven, Cascaradenuez, con pánico social cuyo único contacto humano es su psicólogo, al que sólo se atreve a ver llevando un casco, y su mejor amigo, con quien sólo habla a través de chat. Sin embargo, Cascaradenuez es un hombre distinto cuando duerme: se convierte en el protagonista de un juego de acción. ¿De qué iba a tener miedo en un mundo virtual?
Un día, Cascaradenuez recibirá un extraño mensaje (¿Eres consciente de que llevas un excremento en tu interior?) en una bolsa de la compra -que cada semana le entregan a domicilio- firmada tan sólo con un nickname y un canal de chat. Será entonces cuando su vida, aparentemente bajo control, comience a desmoronarse.
“Tengo una pistola” es muy original y entretenido de leer. La construcción de la historia, alternando pasajes de la realidad con ortos del sueño, la hacen muy llevadera. Realmente, los capítulos dedicados al Nueva York infestado resultan los menos llamativos: no suele ocurrir nada realmente interesante y no hacen que la trama principal avance demasiado.
La novela es muy dinámica y no tiene escrúpulos a la hora de adentrarnos en el mundo asfixiante de su protagonista, que va alcanzando mayor nivel de detalle a la vez que su entorno. Sin embargo, es en los personajes que le rodean donde flojea: personajes que no llegan a ser redondos y que en ocasiones parecen más una anécdota que una parte importante de la trama.
En ocasiones, Enrique Rubio parece poner su propia voz en el personaje del psicólogo (él mismo es diplomado en psicología) y aprovecha para hacer una crítica a la sociedad del consumo y a la sociedad artificial (La sociedad del espectáculo), a la idea de “saberlo todo” que se nos inculca desde la red de manera más o menos directa. Según la contraportada, “(,,,) enfrenta al lector a las aberraciones del modo de vida actual, insatisfactorio, frustrante, abundante en carencias y falsos desafíos.”
En definitiva, una obra muy entretenida con la que pasar un buen rato. Muy recomendable.
Aprovecho el descanso de esos días para subir unas entradas (tres en total) que escribí hace un par de años en otro blog que hice con un amigo y quedó a medias. Aprovecho, también, para felicitar todas las fiestas del año que no he felicitado, incluidas las navidades y nocheviejas pasadas y futuras. ¡Pasadlo bien!
Robo indiscriminadamente la magnífica entrada de Óscar Palmer en el espacio Cultura Impopular, quien ha recopilado los veinte mejores consejos de éste proyecto de The Guardian (inspirado, a su vez, por el libro "Ten Rules of Writing" de Elmore Leonard) donde varios autores (Elmore Leonard, Diana Athill, Margaret Atwood, Roddy Doyle, Helen Dunmore, Geoff Dyer, Anne Enright, Richard Ford, Jonathan Franzen, Esther Freud, Neil Gaiman, David Hare, PD James, Al Kennedy, Hilary Mantel, Michael Moorcock, Michael Morpurgo, Andrew Motion, Joyce Carol Oates, Annie Proulx, Philip Pullman, Ian Rankin, Will Self, Helen Simpson, Zadie Smith, Colm Tóibín, Rose Tremain, Sarah Waters y Jeanette Winterson) ofrecen diez consejos o reglas para escribir ficción:
1. No te plantees escribir. Escribe. Sólo escribiendo, y no soñando con hacerlo, podemos desarrollar un estilo propio. PD James
2. Si tienes una buena idea para una historia, no asumas que debe de ser necesariamente una narración en prosa. Puede que funcione mejor como obra de teatro, como guión de cine o como poema. Sé flexible. Hilary Mantel
3. La ficción que no es una aventura personal del autor hacia lo desconocido o lo aterrador no merece la pena ser escrita a no ser que sea únicamente por dinero. Jonathan Franzen
4. Ten más de una idea en marcha a la vez. Si tengo que elegir entre escribir un libro o no hacer nada, siempre elegiré esto último. Sólo cuando tengo ideas para dos libros soy capaz de elegir entre escribir uno u otro. Siempre siento la necesidad de tener la sensación de que estoy haciendo algo en oposición. Geoff Dyer
5. Olvida el viejo dicho de que hay que escribir sobre lo que se conoce. En vez de eso, elige un área desconocida pero reconocible que contribuya a ampliar tu comprensión del mundo y escribe sobre eso. En cualquier caso, recuerda que la semilla de la que se alimenta tu imaginación hunde sus raíces en las particularidades de tu vida. Así que no la malgastes escribiendo autobiografía. Rose Tremain
6. Lo más probable es que necesites un diccionario, una gramática y tener los pies en la tierra. ¿Qué quiero decir con esto último? Que aquí nadie regala nada. Escribir es un trabajo. También es apostar. No viene con un plan de pensiones. Habrá ciertas personas que puedan echarte una mano, pero en esencia te las tendrás que apañar solo. Nadie te obliga a escribir. Si escribes es porque has elegido hacerlo, así que no te quejes. Margaret Atwood
7. No añadas un falso romanticismo a tu "vocación". O eres capaz de escribir o no. No hay un "estilo de vida del escritor". Lo único que importa es lo que dejas sobre la página. Zadie Smith
8. Cambia de parecer. Las buenas ideas a menudo acaban siendo eliminadas por otras mejores. Yo estaba escribiendo una novela sobre un grupo llamado The Partitions. Hasta que se me ocurrió llamarles The Commitments. Roddy Doyle
9. Respeta el modo en el que pueden cambiar los personajes en sus primeras 50 páginas de vida. Revisa tus planes y comprueba si debes alterarlos de alguna manera para que se amolden a esos cambios. Rose Tremain
10. Finaliza la jornada mientras aún tengas ganas de seguir escribiendo. Helen Dunmore
11. Recuerda: cuando alguien te dice que algo no encaja o que no lo ha entendido, casi siempre tiene razón. Cuando te dice exactamente lo que le parece que está mal y el modo en el que deberías arreglarlo, casi siempre se equivoca. Neil Gaiman
12. El estilo es el arte de quitarte a ti mismo de en medio, no el de inmiscuirte en el texto. David Hare
13. Concentra tus energías narrativas en los puntos de cambio. Esto resulta particularmente importante en la ficción histórica. Cuando tu personaje se enfrenta a un entorno nuevo o las circunstancias cambian a su alrededor, ese es el momento de dar un paso atrás para describir los detalles de su mundo. La gente no suele prestar demasiada atención a los detalles cotidianos de su rutina diaria, por lo que cuando un escritor los describe puede sonar como si estuviera intentando instruir en exceso al lector. Hilary Mantel
14. Lee. Lee todo aquello a lo que puedas echarle las manos encima. Siempre le recomiendo a aquellas personas que quieren escribir una obra de fantasía o de ciencia ficción que dejen de leer por completo esos géneros y que empiecen a leer todo lo demás, desde Bunyan a Byatt. Michael Moorcock
15. No intentes escribir para un "lector ideal". Puede que exista, pero está leyendo el libro de otro. Joyce Carol Oates
16. No eches la vista atrás hasta que hayas terminado un borrador entero. Limítate a comenzar cada día a partir de la última frase que escribiste el día anterior. Es una manera de evitar el espanto a la vez que te asegura una obra en la que poder volcar el auténtico trabajo, que es la corrección. Will Self
17. Protege el tiempo y el espacio en los que escribes. No dejes que nadie se inmiscuya en ellos, ni siquiera a las personas más importantes de tu vida. Zadie Smith
18. Trata la escritura como un trabajo. Sé disciplinado. Muchos autores son particularmente obsesivos en este aspecto. Graham Greene era célebre por escribir 500 palabras al día. Jean Plaidy era capaz de escribir 5,000 antes del almuerzo y luego dedicaba la tarde a contestar cartas de sus fans. Mi mínimo son 1.000 palabras al día, algo que en ocasiones es fácil de conseguir y en otras es, francamente, como cagar un ladrillo. Pero me obligo a permanecer sentada frente a mi escritorio hasta que las tengo, porque sé que así he conseguido hacer avanzar una pizca el libro. Puede que esas 1.000 palabras sean basura. A menudo lo son. Pero siempre es más fácil volver sobre ellas más adelante y mejorarlas. Sarah Waters
19. No te preocupes nunca por las posibilidades comerciales de un proyecto. Si alguien tiene que preocuparse de eso son los agentes y los editores. O no. Conversación con mi editor norteamericano. Yo: "Estoy escribiendo un libro tan aburrido, de un atractivo comercial tan reducido, que si lo publicas probablemente pierdas tu puesto de trabajo". Mi editor: "Ese es precisamente el motivo de que quiera un trabajo como este". Geoff Dyer
20. Cásate con una persona a la que quieras y a la que le parezca buena idea que seas escritor. Richard Ford
Ayer presentaron oficialmente los grupos confirmados que vienen al SOS4.8 el próximo año y, como me suele pasar cuando me sacan de los grupos que escucho habitualmente, me pierdo un poco. Así que aquí va un recopilatorio youtubesco para aquellos que, como yo, no estén muy al día de los grupos que vendrán (Para que la elección de los temas sea lo más democrática posible, he aplicado a todos los grupos el mismo rasero: el primer videoclip o concierto que salga en una búsqueda de Youtube es el que entra).
Los grupos en concreto son: Love of lesbian, Nacho Vegas, Antònia Font, Kiko Veneno, Mogwai, The new Raemon, The Flaming Lips, The Kills, Miqui Puig, The Zombie Kids, Klaus & Kinski, Refree, Parade, Cansei de Ser Sexy, Friendly Fires, The Magnetic Fields, Matthew Herbert, Buraka Som Sistema, Enric Montefusco, Grupo de expertos sol y nieve, GOSSIP y Yuck. (Por cosas que no entiendo de Blogger, el botón "leer más" está abajo, muy abajo, después de un espacio vacío. ¡Púlsalo para ver los vídeos!)
Love of lesbian Nacho Vegas Antònia Font Kiko Veneno Mogwai The new Raemon The Flaming Lips The Kills Miqui Puig The Zombie Kids Klaus & Kinski Refree Parade Cansei de Ser Sexy Friendly Fires The Magnetic Fields Matthew Herbert Buraka Som Sistema Enric Montefusco Grupo de expertos sol y nieve GOSSIP Yuck
Este año, el festival Estrella de Levante SOS4.8 (4 y 5 de mayo de 2012) viene cargado de sorpresas. El festival, articulado en torno a tres espacios (Voces, Música y Arte) gira cada año alrededor de un tema diferente. Este año, el tema principal es la cultura visual y, especialmente, las series de televisión (en concreto, series que han supuesto un antes y un después, como es el caso de The Office, The Wire, The Sopranos y Lost).
Los carteles de este año no tienen desperdicio:
En breve, más información del festival. (Música, Voces y Arte)
Los cines se llenarían con una peli de la JLA así.
Básicamente, es como jugar al GTA3 (sin montar en vehículos, pero no se necesitan tampoco), pero online y con superpoderes en un entorno enorme y hostil. Un juegazo (y digo "juegazo" porque pesa 14 GB) semi-gratuito (gratuito, pero puedes descargar contenido adicional pagando) para PC y PS3 que da mucho de si, en el que te enfrentarás a los héroes y Villanos de DC, además de a un montón de jugadores. Mi personaje es una villana con poderes de fuego, ¡ya estás tardando en hacerte uno!
Podéis descargar el juego desde la página web oficial (a la derecha, "Juega gratis versión para PC", pero ya os digo: un rato largo de descarga) o desde la PlayStaion Store (también un rato largo de descarga).
Hace unas semanas fui a Barcelona con un amigo y pasé por La Central, una de esas librerías por las que hay que pasar de vez en cuando sí o sí, pero por la que yo no paso mucho porque vivo en Murcia y aquí somos muy felices con Diego Marín. Yo ya conocía un poco la obra de Éluard, pero allí me contaron el origen de uno de sus más bellos y tristes poemas: tras la muerte de su mujer, Nush, en 1946, con quien había contraído matrimonio doce años atrás, Éluard cayó en una depresión que le impidió escribir hasta pasadas unas semanas. Cuando volvió a tomar la pluma, los primeros versos que escribió fueron:
Veintiocho de noviembre de mil novecientos cuarenta y seis
No envejeceremos juntos
Este día está
De más: el tiempo desborda.
Mi amor tan ligero pesa como un suplicio.
Simplemente maravilloso. A veces basta un verso para desnudar el alma.
Por supuesto, compré un libro de Paul Éluard, "Últimos poemas de amor", una edición bilingüe que recoge el poema en cuestión y varios más de su última etapa; un libro que recomiendo.
Si queréis saber más de este autor: wikipedia y la biblioteca de vuestro barrio, o pulsa este enlace para leer algunos de sus poemas online en amediavoz.com
"When you grow up you tend to get told the world is the way it is and you're life is just to live your life inside the world. Try not to bash into the walls too much. Try to have a nice family, have fun, save a little money.
That's a very limited life. Life can be much broader once you discover one simple fact: Everything around you that you call life was made up by people that were no smarter than you and you can change it, you can influence it, you can build your own things that other people can use.
Once you learn that, you'll never be the same again."
“Cuando creces te suelen contar que el mundo es como es y que lo que tienes que hacer con tu vida es simplemente vivirla dentro de ese mundo, que intentes no darte golpes contra los muros que constriñen la misma, que intentes tener una buena familia, divertirte y ahorrar algo de dinero.
Esa es una vida muy limitada. La vida puede ser mucho más grande cuando descubres un hecho muy simple: todo lo que te rodea y que llamas “vida” es fruto de gente que no era mucho más inteligente que tú y tú puedes cambiarlo, puedes influenciar en ello, puedes construir tus propias cosas y el resto de la gente puede usarlas.
Una vez que aprendes eso, nunca volverás a ser el mismo“.
Arcade Fire es uno de mis grupos favoritos actualmente. Sus ritmos, sus composiciones, sus letras... cada álbum es una pequeña historia para ser oída de principio a fin. Lo que sigue a partir del "Leer más" no ha sido escrito por mi, es un re-post de información sacada de internet, revistas, youtube, etc. y, si hacéis una búsqueda rápida, encontraréis, como mínimo, dos fuentes. He intentado que el post sea lo más completo posible para que salgáis de la página sólo para descargar canciones (enlaces de descarga tras cada título), ver las letras (enlaces a las mismas en las Tracklist) o comprar los discos; no he puesto todos los enlaces de Gogear para que no tarde en cargar demasiado la página.
En fin, espero que disfrutéis de Arcade Fire y que compréis sus discos porque, en serio, no tiene desperdicio.
Nota: parece que he hecho algo mal y salen cosas que no deberían salir antes del botón "leer mas", que está abajo (si habéis llegado desde un link, la entrada se verá como debe verse); lo cambio en un rato.
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Arcade Fire es una banda canadiense compuesta por el cantante, guitarrista, bajista y pianista Win Butler, estadounidense procedente de Texas, su mujer, la multiinstrumentista y cantante Régine Chassagne (batería, xilófono, piano, sintetizadores) el guitarrista Richard Parry, el bajista Tim Kingsbury y el multiinstrumentista Will Butler, hermano de Win. Junto a ellos colaboran otros músicos especialistas en instrumentos de cuerda.
El grupo, influenciado por David Bowie, Talking Heads, Roxy Music o Flaming Lips, se creó en Montreal en el año 2003 tras haberse conocido Régine y Win un año antes en una exposición de arte, cuando Régine era estudiante de la Universidad de Concordia.
Arcade Fire es conocido por sus cautivadoras presentaciones en vivo, así como por el uso de un gran número de instrumentos musicales. En adición a los tradicionales guitarra, batería y bajo, los miembros tocan el piano, violín, viola, cello, bajo doble, xilófono, teclados, cuerno francés, acordeón, el hurdy gurdy y el arpa. Con variados músicos eximios, la banda lleva su diversidad instrumental en sus tours haciendo que estos mismos miembros vayan cambiando de instrumentos en los shows en vivo
El número de instrumentos, junto con un amplio repertorio de influencias les han proveído de una enorme paleta sonora al momento de grabar su música. La espectacularidad y originalidad de sus conciertos les permitió sellar un contrato con la discográfica independiente Merge Records.
Firmaron con el sello discográfico Merge Records y grabaron un EP homónimo autoproducido, “Arcade Fire” (2003), que recogía sus propuestas de indie rock experimental.
En el mes de septiembre del siguiente año publicarían su primer LP, “Funeral” (2004), un disco presentado con el single “Neighborhood #1 (Tunnels)” que se convirtió en una de las revelaciones del año.
"Neon Bible" (2007) fue su segundo álbum. Tres años después apareció "The Suburbs" (2010)
Es el primer álbum de Arcade Fire. Fue lanzado el 14 de septiembre de 2004 por Merge Records en Canadá y en febrero de 2005 en el Reino Unido.
Como el título del álbum indica, gran parte de Funeral es acerca de la muerte, pero de una manera que sea prudentemente optimista más que sombrío, oscuro o deprimente. El álbum es notable por la forma en que se trata de la pérdida y el eventual paso del tiempo. Por otra parte "Neighborhood #3 (Power Out)" está basada en las experiencias del grupo durante la tormenta de nieve que recorrió América del Norte en 1998.
El álbum es muy instrumental y orquestal, con un destacado uso de cadenas en todo. Se le dio este título porque varios miembros de la banda recientemente ha perdido a miembros de su familia: la abuela de Régine Chassagne murió en junio de 2003, Win y el abuelo de William Butler en febrero de 2004, y Richard Reed Parry's tía en abril de 2004.
“Funeral” es considerado de manera rotunda por David Bowie, una de las principales referencias sonoras del álbum, como el mejor disco del año 2004. Puede que no lo sea. Puede que sí. Lo que es cierto es que se trata de un primer disco fenomenal, muy recomendable, envuelto en tonos fríos e invernales, de gran riqueza instrumental y notable intensidad emocional en su exposición de relaciones interpersonales y reflexiones sobre la vida y la muerte.
“Neighborhood#1 (Tunnels)” desarrolla con un concepto arty un tono épico y afectado con buena imaginería e ímpetu sensorial. Una historia de amor entre dos vecinos que se comunican por un túnel para consumar su relación. Posee gran densidad en texturas con prominente piano y un ritmo moderado in crescendo en su tempo, uso de etéreos sintetizadores y cánticos de corte casi operístico.
“Neighborhood (Laika)” se centra en problemas familiares, con la presentación de un hermano mayor muy conflictivo. Enérgica mixtura de acordeón de rememora ambientes franceses, cortantes acordes guitarreros y cuerdas. La pieza, muy a lo Talking Heads, está iniciada con una preponderante percusión de tipo tribal. Las voces están ejecutadas en los versos con chillonas armonías.
“Un anne sans lumiere” parece emplear la metáfora de la oscuridad y las sombras para abordar la ceguera de un padre que prefiere no enterarse de la relación afectiva de su hija. Se trata de un hermoso medio tiempo, de conseguida atmósfera, con guitarras y voces calmas y una parte final de mayor intensidad rockera. Apoyo en armonías de Régine para un Butler a lo David Byrne, cantando partes de los versos intepretados en francés.
En “Neighborhood (Power Out)” hay un contraste con el tema y la música. En la lírica parece producirse una queja por la insensibilidad, frialdad y el acomodo urbano, mientras que el ritmo instrumental es todo menos frío. Se maneja un tempo muy enérgico, con reminiscencias de New Order y un muro de sonido edificado con agitadas guitarras, desabrida batería y un destacado y pegadizo xilófono.
“Neighborhood (7 Kettles)” es un corte de gradación desilusionada sobre el tiempo y la escasa invariabilidad vital. Es una balada melódica, un tema folk orquestal con percusión retumbante que puede recordar al “Hunky Dory” de Bowie o las piezas acústicas del “White Album” de los Beatles. Incluso posee un aire oriental con una iteración sónica cuasi mantra.
“Crown of love” es una canción de requerimiento amoroso ante la indiferencia y poca concrección de su objetivo sentimental. Se trata de otra balada con arreglos de cuerda, más melodramática, que tanto aparenta un vals como rememora una balada de finales de los años 50. El tema culmina, en un abrupto y sorprendente cambio de registro con una movida coda que podría estar firmada por los mismísimos ABBA.
“Wake Up”, medio tiempo con riff hard rock, acompañamiento orquestal y coros épicos, parece ubicarse en la pérdida de inocencia infantil y el acomodo vital con un destino ineludible: la muerte. También muy al estilo David Bowie.
En “Haiti” toma la voz principal Régine de Chassagne. Es un corte de cálidos aires caribeños, incluso folk-pop a lo Simon & Garfunkel con semblante autobiográfico sobre la estancia en Haití de la familia de la cantante.
“Rebellion (Lies)” apresura el ritmo con una magnífica y penetrante pieza art-rock centrada en el sueño (¿la muerte?) como evasión. El bajo fornido marca el tempo antes de la entrada de un insistente piano y la voz de Butler con un progreso rítmico fenomenal, muy propicio al baile, con guitarras, pianos, baterías, sintetizadores y herencias de Bowie, T. Rex o Roxy Music.
El álbum se cierra con “In the backseat”, tema cantado de nuevo por Régine (con un estilo y voz muy parecido a Bjork) desplegando una metáfora sobre el abandono de responsabilidades y riesgos (¿de nuevo la muerte?) y la permanencia en un segundo plano con el viajar plácidamente en la parte trasera de un coche mientras otro conduce. Balada vaporosa y sutil de tono melancólico con un bonito violín de Sarah Newfield y la inclusión puntual de unas guitarras enardecidas. Un tema que va acentuándose en todos sus aspectos con el paso de los segundos hasta alcanzar un intenso clímax.
En la promoción de su nuevo disco 'Neon Bible' y para festejar el hecho de que un grupo como Arcade Fire ha llegado al número 14 en la lista AFYVE y número 2 en las listas tanto de UK como de los USA.!, realizó una serie de 5 conciertos en la Judson Memorial Church de New York, en particular este realizado el día 16 de Febrero de 2006.
El EP de la actuación en el que ambos, Arcade Fire galardonado como grupo revelación de 2004, y David Bowie, mito incombustible de la música, se unen en vivo y en directo, en el Fashion Rocks.
Si en el 2004 los canadienses Arcade Fire publicaron uno de los discos más interesantes del año con “Funeral”, tres años más tarde resaltan su inicial valía con este “Neon Bible”, un álbum que prorroga las virtudes y tonalidades de su debut, con trascendencia emocional en gradaciones oscuras, espléndidos textos y densidad en texturas sónicas con lugar al pop gótico-orquestal, el folk-rock, el glam o el post-rock.
En el álbum se han utilizado entre otros instrumentos: órgano, zanfonía, trompa militar y toda una orquesta húngara. Win Butler describió el sonido del álbum como "permanecer de pie sobre el océano". Butler ha declarado en una entrevista que el álbum no es el nombre de la novela de John Kennedy Toole, “Neon Bible“ y que es puramente casual.
Aunque poseen suficiente personalidad a nivel instrumental y un talento indudable como letristas, no dejan de poseer referencias claras en su escritura. Desde David Bowie a Bruce Springsteen, pasando por Neil Young, Echo & The Bunnymen, los Pixies, Bob Dylan, los Talking Heads o incluso Prefab Sprout, pueden vislumbrarse en la escucha tanto de su funeral como de su biblia de neón.
La riqueza en textos de apreciable significación literaria y madurez intelectual mostrada en su primer disco grande pervive en el segundo, y con temas y tonos muy similares que recaen en la angustia existencial con atmósferas insanas, la presencia constante de la muerte, algún retrato generacional, la huida de la cotidianeidad a base de los sueños (a veces tornados en pesadillas) y la imaginación, el contraste entre hipocresía en creencias y búsqueda sincera de espiritualidad…
La intensidad emocional con desarrollos en crescendos es una característica de una escritura que denota también tacto melódico y un cuidado en los arreglos como énfasis de las sensaciones exhibidas, en ocasiones demasiado recargadas, que entrega la comunión entre los textos sombríos y una épica instrumentación.
El álbum se abre con el corte post-rock “Black Mirror”, en donde se ubican en imaginerías de maldición y distopía, con apuntes alucinatorios y atmósferas de muerte con lugar para la divagación andarina en el fondo del océano.
No es un mal comienzo para un disco de creciente aprecio, en donde tanto hay espacio para el folk con resonancias de Bruce Springsteen, como “Keep the Car Running”, historia de nomadismo con escenarios onírico-pesadillescos, y la acústica “Antichrist Television Blues”, con posibles alusiones al 11-s y referencias de fe, como para el folk a lo Neil Young, como en “Windowsill”, notable canción de conflicto generacional con padres despersonalizando a sus hijos, o en la propia “Neon Bible”, asentada en la supervivencia, la esperanza, la religión y la muerte. Tres asuntos claves en la lírica del grupo de Montreal.
Al margen de las tonadas de esencia más folk, el disco contiene otras piezas de mérito, como “Intervention”, pieza de desencanto, antibélica, con soldados muriendo y gente rezando, “Black Waves/Bad Vibrations”, con voz femenina, arreglos espectrales y sentimiento de huida, u “Ocean of Noise”, canción sobre la manipulación y la violencia con sonidos de tormenta, guitarra elegante y tempo pausado marcado por un melódico bajo.
Dos de las mejores canciones del álbum son las que poseen un ritmo más dinámico, “The Well and the Lighthouse”, una mezcla palpitante entre Bowie y los Talking Heads, y “No Cars Go”, en donde el camaleón se alía con los sofisticados Prefab Sprout y con Echo & The Bunnymen para, a través de un efectivo minimalismo lírico, potente percusión, y arreglos de cuerda y viento con final épico, los Arcade Fire se sitúen de nuevo en el sueño y la imaginación como lugar privativo y escapismo de la grisácea realidad.
Con influencias del post punk, el pop orquestal, el art pop o el glam rock surgieron en Canadá los Arcade Fire, grupo con música emocional, melodramatismo, letras en tono sombrío (no escasean las metáforas anímicas en tonos oscuros) que abordan asuntos sobre la vida, la muerte, el paso del tiempo, la desilusión, la pérdida de la inocencia, la rutina urbana… Melancolía. Onirismo. Viajes de autodescubrimiento. Nostalgia…
En “The Suburbs” no se desapegan de esos temas y de sus raíces sonoras. Es un disco que parece tener carácter conceptual en el que se canta sobre una vuelta al barrio de la niñez en donde se descubre en diversos trayectos radicales (y no deseados) cambios físicos y de valores. Escenarios de distopía. Deshumanización. Apatía. Aborregamiento. Excesiva tecnificación.
El viaje por los suburbios comienza con la canción que titula el disco, “The Suburbs”, medio tiempo sobre el inevitable transcurso del tiempo con sonido significativo de piano, arreglos de cuerda, falsete enfático. Tiene bases de pop glamero con animoso ritmo T. Rex, trazas music-hall, art pop de equilibradas texturas… En el barrio aprendió a conducir. Todos los muros y las casas que se construyeron en los años 70 ya no existen. Quiere tener una hija. En mis sueños todavía gritamos los niños... Recuerdos de infancia.
“Ready To Start” es un corte notable con buen trato melódico y enérgico rítmico con angulares guitarras post-punk. Densos arreglos sin onanismo autocomplaciente y lírica sobre progreso personal desde una posición de decepción con el presente.
En “Modern Man” quiere romper el espejo del hombre moderno tras situaciones irónicas de espera en turno. Crítica a los falsos personajillos de la modernidad generados por una mezcla entre ignorancia y pretenciosidad. El sonido, con nervioso ritmo en staccato, no quedaría mal en un disco de power pop de los 70.
“Rococo” incide en la crítica a la seudomodernidad, en especial los niñatos por hervir que se creen muy modernos y no son más que borregos fáciles de manipular… Vayamos al centro de la ciudad a ver a los chicos modernos. Los adolescentes comerán de tu mano… Corte sarcástico prog-rock con crescendo instrumental en donde se conjugan con habilidad una potente percusión, violines, flamígeras guitarras…
La distopía que asoma en ocasiones en los textos se manifiesta en “City With No Children”, pieza con un buen riff de guitarra glam rock a lo Marc Bolan, aplausos y preocupación sobre el futuro de las nuevas generaciones en desorientación. Un poco lineal este tema.
Decadencia urbana y espacios nocturnos como escapismo en las dos partes de “Half Light”. Efectivo uso de contrastes sónicos con empleo de sintetizadores y guitarras con reverb.
Sonidos jangle pop a lo Byrds en “Suburban War”, viaje nocturno por la ciudad en coche con reflexiones pesarosas. Son un tanto redundantes en el texto pero la buena melodía y las variantes rítmicas hacen el corte muy escuchable.
La parte final del disco reitera los ambientes de desorientación, los apuntes sobre aborregamiento, esnobismo, paso del tiempo, escepticismo sobre las relaciones… Sea todo ello manifestado con bravura punk rock en “Month Of May”, con folk rock a lo Neil Young en “Wasted Hours”, con la pieza pop abarrocada “Deep Blue”, con la estupenda “We Used to Wait”, piano en staccato dentro de un óptimo sentido de los arreglos vocales e instrumentales, o con los dos cortes “Sprawl”, una balada orquestal y la otra remedo disco de ABBA, antes de cerrar con “The Suburbs (Continued)”, corta pieza que mezcla el dream pop con el Tin Pan Alley.
Quedan pendientes de comentar el corto de Spike Jonze "Scenes from the suburbs", basado en el último disco, las dos canciones extra de la edición especial de, también, éste último disco, el videoclip interactivo de "We used to wait" en html5 y los videoclips normales. Disfrutadlo y, aun a riesgo de que me digáis "la economía está muy mal", comprad todos sus discos. Sigue en Arcade Fire (II - Scenes from the Suburbs y Videoclips Interactivos)
